要拍摄三次以上，要懂运镜思维

一、为什么初学者也要拍摄三次？

在摄影和摄像的世界中，捕捉每一个画面并不仅仅是按下快门或开始录制的简单动作。为了确保在后期制作时拥有足够的素材，能e够实现各种不同的剪辑和视觉效果，专业的摄像师通常会拍摄同一个场景多次，使用不同的取景方式。对于初学者来说，拍摄三次是一个基本的原则，这包括全景、中景和特写。随着经验的积累，摄像师可能会发现自己逐渐开始拍摄六次甚至九次，或者更多。这种多次拍摄的策略并不是浪费时间或资源，而是为了创造更多的素材，为后期编辑提供灵活性和创意空间。

1、为什么要拍摄三次？

全景：展示环境与背景

全景拍摄是指将场景的整体展示出来，通常用于交代场景的背景、环境以及人物和物体的相对位置关系。全景能够帮助观众理解角色所处的环境，建立空间感和氛围。在故事叙述中，全景通常作为开场镜头，或者用于转场，帮助观众快速定位故事发生的地点和背景。

对初学者而言，拍摄全景是至关重要的，因为它可以提供一个叙事的基础，确保观众能够在故事的进行过程中始终保持对场景的理解。例如，在拍摄一场对话时，全景可以显示两位角色之间的距离，以及他们所在的环境，这样当镜头切换到特写或中景时，观众不会感到迷失。

中景：强化角色与动作

中景通常聚焦于人物的腰部以上或膝部以上的区域，既能展示角色的面部表情，也能捕捉到他们的肢体语言和一些背景元素。中景在叙事中的作用在于让观众更深入地感受角色的情感和动作，同时保留一部分环境信息，以免镜头过于孤立。

在实际操作中，中景可以帮助摄像师强调人物之间的互动或角色与某个物体的关系。对于初学者来说，中景是一个过渡镜头，可以在全景与特写之间平滑地转换，避免场景跳跃过大，造成视觉上的不适。

特写：突出细节与情感

特写镜头专注于展示一个特定的细节，通常是人物的面部、手部，或者某个重要的物体。特写的力量在于它能够将观众的注意力集中在故事的关键点上，传递出微妙的情感变化或强调特定的物品的重要性。

对于初学者而言，拍摄特写是提升故事张力的有效方式。无论是人物的紧张表情、手中握紧的物品，还是一滴即将落下的泪水，特写都能在瞬间捕捉到情感的精髓，给观众留下深刻的印象。

2、为何有的专业人士还要拍摄六次甚至九次？

在一些复杂的场景中可能仍然不足以捕捉到所有需要的画面。这时，增加拍摄的次数可以确保在后期编辑时有足够的素材进行各种不同的剪辑和处理。

• 多个角度的全景：从不同的角度展示场景，提供更丰富的环境信息。
• 多个角度的中景：从不同的方向捕捉人物的肢体语言和面部表情。
• 多个角度的特写：不同角度的特写可以捕捉到角色不同的情感层次或物品的细节。

通过增加拍摄的次数，摄像师在后期制作时可以根据故事的需要，选择最合适的镜头，进行剪辑和组合，从而更好地呈现故事的情感和节奏。

多次拍摄还有助于捕捉到更多的细节，特别是在需要表现复杂情感或动作的场景中。例如，在一场紧张的谈判戏中，通过不同角度的多次拍摄，摄像师可以捕捉到每一个微小的表情变化、手势，甚至是人物之间微妙的眼神交流。这些细节可以在后期剪辑时用来增强戏剧张力，丰富故事的叙述层次。

3、多次拍摄在后期编辑中的作用

在后期编辑过程中，拥有多个不同的镜头素材，可以为剪辑师提供更多的创作空间和灵活性。他们可以根据情节的发展、节奏的需要，选择不同的镜头进行组合，创造出更具感染力和视觉冲击力的画面效果。

增强叙事的连贯性

通过不同角度和取景的多次拍摄，剪辑师可以在保持叙事连贯性的同时，灵活地切换镜头，避免单一镜头的枯燥感。例如，在一场对话中，剪辑师可以通过在全景、中景和特写之间的切换，保持观众的注意力，并增强场景的节奏感。

提供更多的创作选择

拥有更多的镜头素材还意味着剪辑师可以根据需要调整场景的长度、情感的表达，甚至可以在不改变场景本身的情况下，创造出不同的叙事效果。例如，通过不同角度的镜头切换，剪辑师可以让同一个场景呈现出截然不同的情感基调，如从轻松愉快转变为紧张压抑。

应对后期的调整需求

在后期制作中，导演或制片人可能会要求对某些场景进行调整，例如缩短某个片段的时长或增强某个情感的表现。如果摄像师在前期拍摄时提供了丰富的镜头素材，那么剪辑师在面对这些调整需求时就会更加游刃有余。

对于任何一名摄像师，无论是初学者还是经验丰富的专业人士，拍摄同一个场景多次是一个明智的策略。这不仅仅是为了确保有足够的素材进行后期制作，更是为了在后期制作时能够灵活应对各种创作需求。通过全景、中景和特写的基本拍摄组合，以及在经验丰富后逐渐增加拍摄次数，摄像师能够在镜头语言的运用上更加自如，创作出更具感染力和视觉冲击力的作品。在这个过程中，每一帧画面都是叙述故事的一部分，而多次拍摄则是为这部故事的完成提供了更多的可能性。

二、什么是实景摄影的运镜思维？

本文将探讨摄影师应具备的具体运镜思维，从概念、方法到实际应用，帮助摄影师更好地理解和运用镜头运动。

1、运镜思维的定义

运镜思维，简单来说，是指摄影师在拍摄时如何规划、控制和使用镜头运动的思维过程。运镜不仅仅是物理上的移动镜头，它是一种视觉语言，通过镜头的运动来影响观众的情感和理解。好的运镜可以引导观众的注意力，增强叙事效果，甚至改变观众对场景的感受。

在现代影视创作中，运镜思维的重要性不可忽视。无论是电影、纪录片、还是商业广告，镜头的运动都直接影响作品的表达方式和观众的体验。运镜思维让摄影师不仅仅是按下快门的技术工人，而是成为作品的导演和叙述者。

2、运镜的基本类型与功能

以下是一些常见的运镜方式：

平移（Pan）：镜头沿水平轴左右转动，用于展示广阔的场景或跟随运动中的主体。平移镜头可以让观众有身临其境的感觉，适合用来介绍环境或连接两个场景。

推拉镜头（Dolly/Zoom）：通过推近或拉远镜头来改变视角。推镜头可以让观众更接近主体，增强紧张感或亲密感；拉镜头则可以展示更广阔的背景，提供更多信息或突出孤立感。

升降镜头（Tilt）：镜头沿垂直轴上下转动，通常用于展示建筑物的高度、地形的变化或从上至下的视觉效果。

跟拍（Tracking/Follow）：镜头跟随主体移动，可以是横向、纵向或斜向移动。跟拍镜头让观众有与主体同行的感觉，常用于动作戏或人物走动的场景。

摇臂（Crane/Jib）：镜头被安装在摇臂上，可以进行更大范围的上下左右移动，常用于拍摄大场景或从高处俯视的镜头。

3、运镜的两个核心原则

在具体拍摄中，摄影师的运镜思维应始终围绕着两个核心原则展开：目的性和情感表达。

目的性指的是镜头运动应为叙事服务，而不是为了运动而运动。每一次镜头的移动都应有明确的目的：是为了引导观众的注意力，还是为了展示环境？是为了表现角色的情感，还是为了转场？明确的目的性可以帮助摄影师避免无意义的镜头运动，让作品更加凝练。

情感表达则是指通过镜头的运动来传达特定的情感和氛围。例如，缓慢的推镜头可以传达一种逐渐深入的情感，而快速的平移则可能表现紧张或焦躁。摄影师需要敏锐地感知场景所需的情感，并通过运镜来强化这种情感。

4、如果做好运镜的工作

运镜思维的实践要求摄影师具备良好的技术技能和艺术敏感度。以下是一些关键的运镜技巧：

前期规划：在拍摄前，摄影师需要对场景进行详细的规划，确定每个镜头的运镜方式。这不仅包括镜头的移动轨迹，还包括速度、角度和节奏的控制。利用故事板或拍摄脚本可以帮助摄影师更好地规划运镜。

节奏控制：镜头运动的节奏直接影响观众的情感体验。快速的镜头运动可以带来紧张感和动感，而缓慢的运动则可能带来沉静和思考。摄影师需要根据场景的需求，合理控制镜头运动的节奏。

空间感的构建：运镜不仅仅是平面的移动，它还涉及到空间的构建。摄影师通过镜头的运动，可以改变观众对空间的感知。例如，推镜头可以压缩空间感，而拉镜头则可以扩展空间感。

角色与镜头的互动：在有角色参与的场景中，镜头的运动应与角色的动作相协调。这种互动可以增强角色的表现力，同时也让镜头运动更加自然流畅。

使用自然元素：在拍摄中，自然元素如光线、风、雨等可以与镜头运动结合，增强画面的视觉效果。例如，利用风吹动的树叶来增强镜头的移动感，或者通过雨水的反射来增加画面的层次感。

例如在不同类型的场景对运镜思维有不同的要求。

人物对话：在人物对话的场景中，运镜思维应注重角色间的关系和情感交流。使用推镜头可以加强某一角色的重要性，使用平移镜头可以平衡两个角色之间的对话。

动作场景：动作场景要求快速而流畅的镜头运动，以增强动作的节奏感和紧张感。跟拍和摇臂镜头常用于此类场景，通过镜头的移动带来强烈的动态效果。

风景拍摄：在风景拍摄中，运镜思维应注重展示环境的广阔和美丽。平移和升降镜头可以展示风景的全貌，而推拉镜头可以突出特定的景观元素。

情感戏：在情感戏中，镜头的运动应与角色的情感变化相呼应。缓慢的推镜头或拉镜头可以增强角色内心的波动，而手持运镜则可以表现角色的紧张和不安。

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